L’Art Institute di Chicago trovò la sua sede permanente nel 1893, quando si trasferì nel palazzo costruito su quella che oggi è riconosciuta come la tradizionale patria del Consiglio dei Tre Fuochi: i popoli Ojibwe, Odawa e Potawatomi. Realizzato per la World’s Columbian Exposition, all’incrocio tra Michigan Avenue e Adams Street, quell’edificio, il cui ingresso è fiancheggiato dai due famosi leoni di bronzo, rimane ancora oggi la “porta d’ingresso” del museo. In linea con le origini accademiche dell’istituzione, nel 1901 fu aggiunta una biblioteca di ricerca; seguirono otto importanti ampliamenti per la galleria e lo spazio amministrativo, l’ultimo dei quali è stata la Modern Wing, inaugurata nel 2009. La collezione permanente è cresciuta dai primordiali calchi in gesso a quasi 300.000 opere d’arte in campi che spaziano dai bronzi cinesi al design contemporaneo e dai tessuti alle installazioni artistiche. Insieme, la School of the Art Institute of Chicago e il museo dell’Art Institute of Chicago sono ora riconosciuti a livello internazionale come due delle principali istituzioni di belle arti negli Stati Uniti. Nel corso del primo decennio del XXI secolo, l’Art Institute avrebbe intrapreso la più grande espansione della sua storia, la Modern Wing. Progettata da Renzo Piano, questa aggiunta, con i suoi 264.000 piedi quadrati, rivaleggiava solo con l’originale Michigan Avenue Building del 1893 per dimensioni.
Più di 100 anni fa, Agnes F. Northrop progettò la monumentale Hartwell Memorial Window per i Tiffany Studios come commissione di Mary Hartwell in onore del marito, Frederick Hartwell, per la Central Baptist Church of Providence, Rhode Island (ora Community Church of Providence). Composta da 48 pannelli e numerosi tipi di vetro diversi, la finestra è ispirata alla vista dalla casa di famiglia di Frederick Hartwell vicino al monte Chocorua nel New Hampshire. La maestosa scena cattura la bellezza transitoria della natura, il sole che tramonta su una montagna, l’acqua che scorre e la luce screziata che danza tra gli alberi, in un’intricata disposizione di vetri dai colori vivaci.
Una visita essenziale
Georges Seurat • Una domenica a La Grande Jatte — 1884
Per il suo dipinto più grande e più noto, Georges Seurat ha raffigurato parigini che si godono ogni sorta di attività ricreative, come passeggiare, oziare, andare in barca a vela e pescare, nel parco chiamato La Grande Jatte sulla Senna. Ha utilizzato una tecnica innovativa chiamata Puntinismo, ispirata alla teoria ottica e dei colori, applicando piccole pennellate di vernice di colori diversi che gli spettatori vedono come un’unica tonalità, e Seurat credeva, più brillante. In mostra nella Galleria 240
Vincent van Gogh • Autoritratto, 1887
Nel corso della sua breve carriera di cinque anni, Vincent van Gogh ha dipinto 35 autoritratti, 24 dei quali, incluso questo primo esempio, durante il suo soggiorno di due anni a Parigi con il fratello Theo. Qui, Van Gogh ha utilizzato pennellate dense, un approccio influenzato dalla tecnica rivoluzionaria di Georges Seurat in Una domenica sulla Grande Jatte—1884 (in mostra nella Galleria 240), per creare un ritratto dinamico di se stesso. La sbalorditiva gamma di punti e trattini in verdi, blu, rossi e arancioni brillanti è ancorata al suo sguardo intenso. In mostra nella Galleria 241
Grant Wood • American Gothic
Uno dei dipinti americani più famosi di tutti i tempi, questo doppio ritratto di Grant Wood ha debuttato all’Art Institute nel 1930, facendo vincere all’artista un premio di 300 $ e una fama immediata. Molte persone pensano che la coppia sia marito e moglie, ma Wood intendeva che la coppia fosse un padre e sua figlia. (Sua sorella e il suo dentista sono stati i suoi modelli.) Voleva che questa tela dell’era della Depressione fosse una dichiarazione positiva sui valori rurali americani durante un periodo di disillusione. In mostra nella Galleria 263
Edward Hopper • Nighthawks
Questo dipinto iconico di un ristorante aperto tutta la notte in cui tre clienti siedono insieme e tuttavia sembrano totalmente isolati l’uno dall’altro è diventato una delle immagini più note dell’arte del XX secolo. Hopper ha detto dell’opera enigmatica: “Inconsciamente, probabilmente, stavo dipingendo la solitudine di una grande città”. In mostra nella Galleria 262.
Testi tratti dal sito ufficiale dell’Istituzione
